La notte in cui Oscar tornò a casa è solo la storia di quattro amici cresciuti assieme in un paesino sperduto tra i monti, che si ritrovano una notte, in un pub, a bere birra. Ed è proprio in quel solo che corre inesorabile, come un treno impazzito, la linea d’ombra di tutta la pièce.
La notte in cui Oscar tornò a casa è, infatti, il lato oscuro della semplicità di una amicizia tra trentenni, cresciuta e cementatasi in un posto dimenticato da dio.
È solo la storia di Matilde – che fa la cameriera nel pub e da quel paesino sarebbe disposta a tutto, pur d’andarsene - di Bibop – simpatico ubriacone perdigiorno che per vivere fa il boscaiolo - di Carlo – l’unico dei quattro che ha studiato e fa l’avvocato – e di Oscar, che è tornato in paese quella notte stessa, dopo essere stato in galera per rapina, tradito dal quinto amico, Martino, che l’ha venduto alla polizia ed è scappato chissà dove col bottino.
La notte in cui Oscar tornò a casa è solo questo, punto.
Più tutto quello che si nasconde dietro.

Doping è al tempo stesso un monologo, una performance dal vivo e una corsa contro il tempo. Il senso è quello della vertigine, del labirinto, dell’acidità, della droga, del doping. Il doping non è solo drogarsi per vincere, ma è la droga che accompagna la vita di chi deve sentirsi parte di una società in decadenza, anzi di più: deve sentirsi sovrano di questa società; la storia di chi attraversa una linea d’ombra e non sa come ne uscirà. Non tutti ne escono e sicuramente nessuno resta quello di prima.
La drammaturgia è volutamente a brandelli, va avanti e indietro nel tempo, è un’incursione nel cervello di qualcuno, è un flusso di coscienza allucinato, è accompagnata da una videoproiezione e un insieme di suoni, è una serie di racconti e insieme un elenco straniato di droghe, drogati, effetti, è un incubo o la fine di una vita, è il tentativo di non essere consequenziali ma nemmeno mimetici, è sicuramente una spirale.
Un testo che ci sembra metafora più che mai urgente di un ossimoro che si sta facendo sempre più reale e che tanto la cronaca ci racconta, fino a renderlo parte della nostra quotidianità.Non si vogliono dare risposte o dare giudizi. In questo gioco siamo le vittime o i carnefici? I giudici o i giudicati?
Siamo sicuri che non ci riguardi?

Due sorelle. Una grande casa. Entrambe un tempo famose, belle e fortunate. Ora il tempo implacabile le ha resi sfiorite deluse, legate al passato e ai ricordi... e pazze. Irrimediabilmente. Una ancora legata al passato di ex bimba prodigio e l’altra costretta ad una sedia a rotelle. Dal racconto noir Che fine ha fatto "Baby Jane"? di Henry Farrell e dall’omonimo film di Robert Aldrich, l’adattamento di Massimiliano Bolcioni estrapola i concetti e i simboli chiave che fecero del film un cult, prendendone in considerazione non solo i motivi originali ma anche le storiche derivazioni.
Ecco quindi "Baby Jane" diventare qui finalmente quel mostro dell’inconscio e della psiche che è, in un’atemporale dimensione dove tutti i cliché vengono esplorati ed evidenziati fino al punto di vedere "la piccola Baby Jane Hudson" partorita da una mente materna anziché paterna distruggere la vita di due fratelli anziché di due sorelle, e le “illogiche” terrificanti conseguenze, che renderanno il tutto un’autentica "tragedia greca contemporanea", disseppellendo anche temi profondi e scomodi all’epoca sacrificati per vari motivi, quali, come nel nostro caso, l’omosessualità e il tema del diverso inteso anche come condizione fisica. Il tutto sotto l’egida di un sacro stato d’ansia che la messa in scena costruisce e protrae per tutto il tempo.

Cinque attori che si modellano all’interno di un percorso di “corti” teatrali, dove attraverso un’alternanza di forte comicità, così come una forte drammaturgia, i vari personaggi da loro interpretati affrontano temi umani, personali, di coppia, di vita...
Coppie in crisi, madri coraggio, psicosi calcistica, professori dalla spiccata sensibilità, storie dalla profonda umanità e forza, sono alcuni dei tanti temi che compongono l’alveare dello spettacolo, in cui un sottile filo tiene uniti tutti i vari quadri. La musica segue l’evolversi delle situazioni, accompagnando e sottolineando i passaggi in cui i personaggi mettono a nudo il loro lato umano.
Nato anni fa da un format che suscitò molto successo di pubblico e critica, lo spettacolo è composto anche da alcuni “corti” che negli anni sono stati rappresentati anche all’interno della rassegna Il Garofano Verde del Teatro Belli di Roma.

Dice un vecchio proverbio degli indiani Chirikawa: “Ovunque vada un uomo, la sua ombra lo seguirà”.
È l'ombra del proprio essere, quello vero, profondo, sconosciuto o dimenticato. Ognuno proietta un’immagine di un personaggio creato ad uso e consumo altrui. Ognuno mostra la faccia per nascondere il viso. Ognuno è “colui che lo si crede”. Ma la sua ombra porta con sé il carico d’angoscia della coscienza della propria debolezza, delle passioni violente, dell'essere aldilà di credere e di voler essere...
In quell'ombra si cela il mostro dal cuore spezzato dal peso di vivere una vita progettata da altri.
C’è una linea d'ombra tra il personaggio e l'essenza del sé...
Quando quella linea si oltrepassa si può scoprire di liberare il mostro e condurlo al delitto.

Con Soriana, il giovane Flavio Marigliani ha tessuto una storia aperta a più interpretazioni e registri scenici, anche molto differenti tra loro.
Strutturalmente ciclico per certi versi e non lineare per altri, il testo, dai vaghi sapori ioneschiani, si forma intorno a una coppia in cui qualcosa comincia a spegnersi - mentre qualcos'altro va accendendosi; in cui le forze attrattive, sebbene ancora presenti, stentano a bilanciare quelle repulsive, fino a schiantarsi... per poi ricominciare daccapo.
Lungo il processo, un meccanismo simile a una danza di morte, in cui lei e lui assumono i panni, contemporaneamente e vicendevolmente, di vittima e carnefice, del partner e di se stessi, in una spirale autodistruttiva che straborda anche nell'incubo, grazie anche al punto di vista prescelto: quello di lei, di Soriana, colta mentre va progressivamente perdendo il contatto con la realtà e si rende conto di perderlo.

Testo vincitore della I edizione del Premio di drammaturgia DCQ - Giuliano Gennaio.